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Escrito por michellemartinez 26-01-2019 en op art. Comentarios (0)

Principales exponentes 

Victor Vasarely

Pintor francés de origen húngaro, Victor Vasarely (Pics, Hungría 1908 – París 1997) se forma en la Academia Muhely de Budapest, inspirada en la Bauhaus alemana, bajo la dirección de Bortnyk. En 1930, se instala en París y ejecuta lienzos expresionistas, cubistas y surrealistas. Realiza su primera exposición en París en la Galeria Denise René con ocasión de su inauguración en 1944. En 1947, durante su estancia en la costa bretona (Belle-Isle), se orienta hacia la abstracción mediante la reducción de los guijarros y las olas a formas ovoides. En 1948, durante su estancia en Gordes, radicaliza su lenguaje geométrico, e introduce una perspectiva axonométrica ilusionista (Santorini, 1950-1951). Poco a poco, evoluciona hacia el cinetismo, las líneas paralelas se separan, creando relieves o huecos, convierte el cuadrado en rombo, lo redondo en elipse, los juegos de movimiento y de vibración dinamizan la composición durante el período «blanco y negro» de mediados de los años 50.

Estudios Bauhaus C et D, 1929, Victor Vasarely

Estudios Bauhaus C y D, 1929, Victor Vasarely. Fue durante el período que Vasarely pasó en la Bauhaus de Budapest, que le aparece por primera vez lo que él llamaba “el carácter funcional de la plasticidad”.

En 1959, comienza a desarrollar el sistema de “la unidad de plástica” y del “prototipo de partida” (collage impreso y serigrafiado) para crear relaciones múltiples. Desde 1963, aborda el volumen mediante relieves y utiliza nuevos materiales como el aluminio y el vidrio. Al año siguiente, reintroduce el color, enriqueciendo su gama cromática con varios matices y la creación de sistemas de permutación programados con antelación (Arny, 1967-1968, París, MNAM). Desde el principio de su carrera, Vasarely supera la pintura de caballete posesionándose del espacio (Homenaje a Malevich, 1954; Obra profunda cinética en hoja de acero, 1967, Señal policromada, 1972), y realizando cartones para tapices tejidos en Aubusson, ejecutando esculturas, redes cinéticas … Fundó dos museos didácticos en Gordes en 1970, en Pecs en 1976 y un Centro de investigación arquitectónica en Aix-en-Provence en 1976.

Homenaje a Malevich, 1954, Victor Vasarely

Homenaje a Malevich, 1954, Victor Vasarely (Universidad de Caracas)

«No podemos dejar indefinidamente el disfrute de la obra de arte sólo a la élite de conocedores. El arte del presente se encamina hacia formas generosas, recreables a placer; el arte del mañana será un tesoro común o no será.» Victor Vasarely. Manifiesto Amarillo, 1955.

Arny (Sombra), 1967-1968, Victor Vasarely

Arny (Sombra), 1967-1968, Victor Vasarely (París, Centro Pompidou)

Vasarely concedía una gran importancia a los principios del cinetismo por dos motivos, uno personal – la noción de movimiento lo perseguía desde su juventud – la otra más general: la idea de que un cuadro animado por efectos ópticos no sólo existe en la pared, pero sobre todo en el ojo del espectador. Vasarely se interesaba por la pintura, por las obras compuestas por planos separados, así como por las pantallas y objetos tridimensionales.

Victor Vasarely delante de sus obras, hacia 1978

Victor Vasarely delante de sus obras, hacia 1978

Ellesworth Kelly

Pintor y escultor americano Ellsworth Kelly (Newburgh, Nueva York 1923 – Nueva York 2015) se formó en la Escuela de Bellas Artes de Boston y en París, donde regresó en 1948. Allí conoció a Brancusi, Arp, Vantongerloo, Picabia, Magnelli … Realizaba obras abstractas y geométricas inspirándose en paisajes reales, fotografiados por él. A finales de los años 1950 comenzó a explorar formatos monocromáticos, siguiendo esta tendencia en Nueva York, donde volvió a instalarse en 1954. Utilizaba también el aluminio o el acero en paneles pintados de manera uniforme y dispuestos en el muro o en el espacio. Su obra manifestaba un rechazo a la abstracción lírica entonces en voga, y anunciaba en gran medida el Minimalismo. A finales de los años 1960, empezó a trabajar de manera cada vez más sistemática la forma del soporte, experimentando con los formatos irregulares del lienzo, e inscribiendo el color en un corte geométrico irregular lo que acentúa su dinamismo.

Spectrum Colors Arranged by Chance II, 1951, Ellsworth Kelly

Spectrum Colors Arranged by Chance II, 1951, Ellsworth Kelly (New York, MOMA)

Sculpture for a Large Wall, 1956-57, Ellsworth Kelly

Sculpture for a Large Wall, 1956-57, Ellsworth Kelly (New York, MOMA)

OBRA DE VASARELY

Principales características

Escrito por michellemartinez 12-01-2019 en característicasComentarios (0)

OP ART 

  • Son representaciones artísticas derivadas de la abstracción geométrica
  • El objetivo del arte óptico es producir y crear efectos visuales únicos
  • Son obras físicamente inmóviles, con efectos de profundidad y movimiento
  • Utiliza la yuxtaposición del color, con matices cromáticos identificables
  • Utilizan los colores, la luz y las sombras con una gran habilidad
  • Contrastes marcados cromáticos, que pueden ser bicromáticos o polis
  • Utilización de figuras geométricas (rectángulos, triángulos, círculos, cuadrados)
  • Crean  un complejo de tensiones visualesdando la sensación de movimiento
  • Utiliza la técnica de pintura al acrílico, para obtener bases definidas y limpias
  • Realizan cambios de tamaños, figuras y formas mezclándolas y/o repitiéndolas
  • Podemos encontrar esculturas dentro de esta corriente artística
  • Utiliza técnicas como líneas paralelas sinuosas o rectas.
Aun cuando muchas personas definen a este tipo de arte como algo técnico e impersonal,  el espectador de cada obra puede cambiar la configuración que tiene.

https://www.capitaldelarte.com/arte-optico/

OP ART

Escrito por michellemartinez 12-01-2019 en op artComentarios (0)

¿Qué es?

El Op Art es arte abstracto. Así, el OP ART alude a obras bidimensionales o tridimensionales que ponen a prueba la óptica del ojo humano.Y para los académicos, el Op Art es una evolución del constructivismo, aunque con ciertos matices.Lo que sí es cierto es que el Op Art se caracteriza por la cualidad dinámica con la que es capaz de imprimir sus obras artísticas a nuestra percepción, a nuestras ilusiones ópticas, a nuestra imaginación, para que sean estas, seamos nosotros, quienes completemos la obra, como era la intención de sus creadores.

El arte óptico surge como una variación o interpretación de la abstracción geométrica y se vale de principios científicos y estructuras repetitivas para crear ciertos efectos en el espectador quien en algunos casos puede cambiar la configuración de la propia obra.

Esta tendencia en el arte busca crear en el espectador una sensación de movimiento, gracias a efectos ópticos que desencadenan en el observador una respuesta visual y psicológica ante la sensación percibida. Este tipo de arte es de tipo técnico y en muchas ocasiones impersonal.

¿Dondé y Cuándo se manifiesta?

La primera exposición que se celebró en torno a las pinturas ópticas se celebró en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1965, si bien un año antes ya se hablaba del concepto en la revista Time, y poco después en la revista Life.

A nivel práctico, y dado que ese periodo fue bastante fructífero en cuanto a producción artística, se denominó obras Op Art a trabajos que en realidad no lo eran en el sentido estricto del término.

Entre los antecedentes del Op Art se encuentran tanto impresionistas como postimpresionistas, entre los que destacan Seurat, y todos aquellos artistas que mezclaban, jugando con la óptica, colores y tonos, buscando que el ojo humano además de completar la obra, mezclara el color en su retina.

Surge hacia finales de la década de 1950. Desarrollando las búsquedas visuales emprendidas en el marco de la Bauhaus, por László Moholy-Nagy y Josef Albers, y las investigaciones cinéticas del Futurismo (Giacomo Balla), el Op art propone un estudio riguroso de la percepción, de la que analiza los procesos ópticos y psicológicos, en relación dialéctica con la tecnología moderna. Dos preocupaciones movilizan a los artistas: por un lado, el enfoque en la determinación de un método operativo rígidamente programado; por otro, la intención de involucrar al espectador, llamado a completar la obra de arte por su mera presencia.

https://www.aparences.net/es/periodos/arte-contemporaneo/es-op-art/

http://www.actuallynotes.com/que-es-el-op-art/

http://redgrafica.com/El-arte-optico-Op-Art

Expresiones artisticas

Escrito por michellemartinez 05-10-2018 en manifestacionesComentarios (0)

Clasificación de las manifestaciones artísticas

Las manifestaciones artísticas reflejan los valores de su cultura a través del tiempo y son producidas por personas llamadas artistas y pueden clasificarse en clases:

  • Literarias
  • Musicales o auditivas
  • Corporales o del espectáculo
  • Artes plásticas

Artes plásticas

La palabra plástico según el diccionario, significa dúctil o blando; que se puede moldear o a lo que se le da “forma”. En la práctica, y como extensión, el término sirve para calificar a las artes que producen imágenes sobre objetos (obviamente sólidos), como la pintura y la escultura, o que convierten ideas en formas y que organizan espacios, como la arquitectura. De este modo, si las diferencia de las artes que producen textos (la literatura) en objetos (libros), y de las artes que utilizan sonidos (la música) o acciones (la danza), el término plástico es, entonces, aproximado.

Históricamente se consideran como expresiones de las artes plásticas a las acciones realizadas por 3 tipos de artistas determinados, se incluían las obras realizadas por pintores, escultores y arquitectos.

Hoy día, el arte plástico se caracteriza por incluir a todas aquellas formas de arte cuyos objetos finales u obras son tangibles, eso significa que son reales y se pueden ver y/o tocar. El concepto moderno de artes nos permite incorporar en la definición de arte plástica no solo las expresiones clásicas del arte sino también nuevas formas, podrían llamarse modernas, de manifestación artística, ellas son las Artes Visuales.

Entre ellas se encuentran, por ejemplo, todas aquellas generadas por computadoras (arte digital) o con cualquier otro elemento no convencional.

Dibujo

El dibujo es una actividad lingüística; es un lenguaje que produce gráficamente imágenes de la realidad visible. Puede poseer elementos estéticos y que es el origen de la escritura y de la pintura.

Grabado

Este género plástico tiene por finalidad reproducir imágenes mediante una plancha, madera o piedra y una prensa llamada tórculo.

Pintura

El hombre siempre pintó imágenes sobre las superficies planas de las paredes de las cuevas y después de los edificios. A esta pintura se le denomina mural. Más tarde, pintó sobre la superficie de diversos objetos como vasijas, herramientas, etc.…

Por último, inventó el cuadro o pintura de caballete, que es que es transportable y se puede colgar en paredes. Este tipo de pintura existe desde el siglo XIV, es decir, desde los albores del Renacimiento. En el siglo XX se comenzó a reemplazar las figuras, las imágenes de realidades visibles, por formas geométricas o irreconocibles. Estas pinturas se conocen hoy como pinturas abstractas.

Arquitectura

Por su parte, el arte de la arquitectura, concibe y organiza los espacios humanos habitables, los privados (hogares) y los públicos (templos, plazas, etc.). Fue el principal arte en la Grecia y la Roma clásicas y también en las culturas precolombinas. Cuando las construcciones albergan el cadáver de un rey o emperador se les denomina arquitectura funeraria.

Escultura

La escultura comprende también un proceso que se expresa, con un conjunto de imágenes en volumen o en tercera dimensión. Pueden tener el tamaño de los monumentos y entonces se conocen como esculturas públicas, por estar en espacios abiertos. Otras tienen menor tamaño; son obras para espacios cerrados que se encuentran en edificios públicos o privados.

Se ha aceptado la inclusión dentro de la categoría de Artes Plásticas a las especialidades de: Pintura, Escultura, Grabado, Tallado, Cerámica, Vidrio, Fotografía, Vitrales, Porcelana, Diseño, Restauración, Pintores Retratistas, Escenografía, Decoración, entre otras.

Música

Desde los orígenes de la civilización, el hombre primitivo comienza a utilizar la danza y las ceremonias religiosas, para rogar a los dioses que resulten productivos la caza y los cultivos. A la vez va elaborando las técnicas de los sonidos con los que comenzaron a acompañar los ritos.

Cada cultura tuvo concepciones diferentes en la apreciación y valor de la música. Unos le daban valor totalmente humano mientras que otros querían comunicarse con los espíritus.

En la civilización griega, en la época de la escuela pitagórica, la música se transforma en la ciencia de los sonidos, se relaciona con las matemáticas. Se elabora una concepción cósmica, relacionándola a la vez con la filosofía.

La música ha sido compañera del ser humano desde los comienzos de su historia. Se especula que los comienzos de su historia tienen relación con la imitación de los sonidos de la naturaleza, como el canto de las aves y también de la naturaleza interna del ser humano, por ejemplo, el ritmo natural de los latidos del corazón.

A medida que la cultura se fue desarrollando, algunas formas musicales fueron siendo dominantes, para terminar caracterizando la música de una época determinada. Es así como de la música prehistórica se llega a la música medieval, a partir del año 476 (caída del imperio romano) hasta el año 1450 (el Renacimiento). La forma más popular en esta época son los famosos cantos gregorianos, interpretados tradicionalmente por monjes, que incluso gozan de gran popularidad como música cristiana hasta el día de hoy por sus cautivantes y repetitivas melodías que inspiran un aire místico.

Con la llegada del Renacimiento, entre 1450 y el año 1600, se hace común una instrumentación más compleja y se introduce el concepto del bajo como base.

Luego entre el año 1600 y 1750 se llega al Barroco, en donde se refina la estructura y sobre todo los “adornos” interpretativos de la música.

Avanzando por la línea del tiempo llegamos al periodo clásico, que corresponde a la música letrada compuesta entre 1730 y 1820.

Durante el periodo romántico, entre 1815 y 1910, se definieron con precisión las técnicas de interpretación, y se formalizaron instituciones para la enseñanza y esparcimiento de la música por Europa.

La música moderna, entre 1905 y 1985, es una consecuencia de la crisis y el rompimiento de los valores tradicionales en las artes, tendencia global caracterizada por la fe en el progreso y en la ciencia; la idea básicamente romper moldes antiguos y comenzar algo nuevo.

Por último, en lo que es la música docta (letrada) se llega a lo que se conoce como música contemporánea, del siglo XX a la actualidad.

El público en general se inclina por los periodos barrocos al romántico, por ser más accesibles y “agradables” a la audición. Afortunadamente, como en realidad la buena música nunca pasa de moda podremos disfrutar siempre de recreaciones de las composiciones de estos tiempos pasados.

La música siempre ha estado con nosotros y lo seguirá estando, ya que es parte inseparable de lo que somos como seres humanos. Además es mortal, siempre reinante y válida, y además una representación fidedigna de épocas y sentimientos particulares de la historia.

Literatura

La palabra literatura proviene del término latino litterae, que hace referencia al conjunto de saberes para escribir y leer bien. El concepto está relacionado con el arte de la gramática, la retórica y la poética.

Así se puede considerar a la literatura como una forma artística de comunicación, mediante la cual un autor expresa ideas y/o sentimientos con una finalidad concreta depende de su intencionalidad. Es una forma de comunicación en tanto que precisa de los elementos ordinarios de toda comunicación (emisor, receptor, canal, contexto, código y mensaje), es artística porque es creativa.

La literatura es fuertemente connotativa, es decir, se basa en reglas del mundo real, pero sin detonarlo. El verbo el literatura no se agota intelectualmente, ampliándose, connotándose, por emociones o sentimientos del autor.

Literatura romántica

El romanticismo fue un movimiento de tipo cultural y político, que surgió en Europa a partir del prerromanticismo de finales del siglo XVIII. Los románticos consideraban la libertad como causa suprema, tanto en el arte como en la política y la vida personal. En contraposición al neoclasicismo, el romanticismo se caracterizó por el rechazo de la razón como principio, anteponiendo el sentimiento y la fantasía en el arte.

Entre los rasgos de la literatura romántica se encuentran:

a) El predominio del “yo” (subjetivismo); b) La evasión de la realidad (temas medievales, místicos, leyendas y el exotismo oriental); c) El nacionalismo, (interés en el arte popular y las costumbres locales- folclorismo, particularmente los Hermanos Grimm en Alemania); d) La libertad formal (mezcla de prosa y verso, ruptura de las unidades aristotélicas en teatro) frente al academicismo neoclásico; e) La búsqueda de la belleza fuera de la armonía y el equilibrio (los sublime en lo terrible, lo sobrenatural, lo macabro, inicios de la novela gótica Mary Wollstonecraft ShelleyFrankestein o el moderno Prometeo, 1818 ).

Literatura realista y naturalista

A mediados del siglo XIX, hubo un cambio en los gustos literarios hacia el rechazo de los “excesos del romanticismo”. Se consideraron de mal gusto el sentimentalismo, la anarquía formal y los temas fantásticos.

El naturalismo surgió como consecuencia de la evolución del realismo, en aras de reflejar aún más objetivamente el mundo exterior. Tuvo influencia del positivismo, del materialismo y del determinismo. Los elementos característicos de la narrativa naturalista son la sátira, la denuncia social, las temáticas de enfermedad, suciedad, locura, pobreza, vicios y prostitución.

Arte corporal

Muchos artistas, en lugar de pintar o dibujar, prefieren expresar sus ideas mediante los ademanes, gestos y acciones propias del cuerpo humano. Hoy a éstos se les llama performances y consisten en los movimientos de uno o varios cuerpos humanos, acompañados de sonidos y objetos distribuidos en un espacio determinado. Son obras obviamente efímeras o momentáneas que tienen por finalidad expresar algo, sea una idea o concepto, o ciertas relaciones o actitudes humanas. Las acciones llamadas performances son de corta duración y suelen lograr una tensión entre las personas actuantes y el público. Esta tensión implica suspenso, como en las películas de Alfred Hitchcock, y hace sentir el tiempo de una manera distinta.

En esta clase de arte entra el teatro, lo cual se forma por un conjunto de artes escénicas (obras teatrales, ópera, opereta, ballet). También se le llama así al edificio donde se realizan dichas representaciones. Según el tipo de espectáculo, cabe distinguir entre teatro de ópera, dramático, de cámara que es como "un teatro-laboratorio donde se experimenta para buscar la verdad de la vida a través del teatro", cabaret, etc. El funcionamiento del teatro está bajo la jurisdicción de un director, de un programador o de una comisión; en las cuestiones artísticas, el director está asistido por el director artístico, el escenógrafo, el asesor literario o dramaturgo, etc.

https://www.ecured.cu/Manifestaciones_art%C3%ADsticas

Características del cubismo

Escrito por michellemartinez 21-09-2018 en característicasComentarios (0)

Perspectiva múltiple

El mayor acto de rebeldía del cubismo lo emprende contra la noción acostumbrada de perspectiva, proponiendo en sustitución una perspectiva múltiple, que representa la totalidad de los objetos en un mismo y único plano.

Así, apostando por las formas geométricas para representar la naturaleza, el cubismo abandona la apariencia real de las cosas desde un punto de vista único, prefiriendo abordarlas desde lo que se conoce de ellas. Eso permite representar los objetos y a las personas de frente y de perfil simultáneamente, renunciar a la sensación de profundidad  y a la seducción de los sentidos, y proponer el entendimiento y el intelecto en su lugar.

En ese sentido son herederos de la “reacción constructiva” de Cezánne, quien afirmaba que toda la naturaleza puede entenderse geométricamente.

Manejo del color

La intensidad de colores del impresionismo y sobre todo el fovismo, no fueron de interés para los pintores cubistas, quienes optaron por grises, verdes y marrones con baja luminosidad. Durante la primera etapa del cubismo, de hecho, predominó una paleta monocromática, a la que luego fueron sumándose gradualmente mayores colores.

Referentes pictóricos

El cubismo no emprendió una variación sustancial de sus referentes, que continuaron siendo los bodegones, paisajes y retratos tradicionales. Su interés apuntaba más al modo de representarlos, que a la escogencia de lo representado en sí.

La idea era que el arte fuera menos imitativo del mundo real, abrazando su condición de arte y su independencia estética. Dicha tendencia alcanza su punto máximo en los collages, donde se interviene el lienzo con papeles y maderas pegados y clavados.

Inicios

El cubismo inicia formalmente con el cuadro Las señoritas de Avignon (Demoiselles D’Avignon) de Pablo Picasso, si bien se acusa como precursores al mismo Cézanne y a Georges Seurat. Otros estudiosos acusan la importancia de la fotografía en la liberación del arte pictórico de la necesidad de ser fiel a lo real, ya que la cámara podía hacerlo de manera más fiel e inmediata.

También se ha dicho que el cubismo se hizo eco de una necesidad de reformulación de los puntos de vista que ya estaba en el ambiente, con la aparición del psicoanálisis, la Teoría de la relatividad y el interés por la cuarta dimensión.

El nacimiento del cubismo tomó lugar en París, ciudad de gran relevancia cultural en la época, de la mano de los maestros del género que llegarían a ser Pablo Picasso, Juan Gris, Georges Braque y Fernand Léger.

El cubismo analítico

Se conoce con este nombre a la primera etapa del cubismo, que va desde 1909 a 1912, y en la que predomina la monocromía en grises y ocres, como un gesto de desdén hacia el color, ya que únicamente interesaba el trabajo de geometrización de la realidad.

También se le apoda cubismo “hermético”, dado que en su afán por descomponer los puntos de vista, algunas de las obras presentadas durante este período eran tan retadoras que casi parecían ser abstractas.

En esta etapa el cubismo empezó a exhibirse al público, no sin escándalo y rechazo de la crítica, en 1911. En la sala 41 del Salón de los Independientes se mostraron obras de Jean Metzinger, Fernand Léger, Robert Delaunay, Albert Gleizes y Henri Le Fauconnier.

Al año siguiente aparecieron los primeros estudios críticos y teóricos del cubismo, de mano de los propios Gleiz y Metzinger: “Sobre el cubismo”, y del poeta y entusiasta Guillaume Apollinaire: “Los pintores cubistas. Meditaciones estéticas”.

Los futuristas, en cambio, le reprocharon al cubismo la falta de movimiento en sus cuadros, que interpretaban como rechazo al dinamismo propio de la época.

El cubismo sintético

Esta etapa posterior del cubismo inicia en 1912 y dura alrededor de dos años más. Su nacimiento se vincula con la incorporación de parte de Georges Braque de palabras y números en sus obras, abriendo camino así a la tendencia que Picasso y él mismo explorarían en sus primeros collages, adhiriendo madera o papel periódico a los lienzos.

El primer cuadro de Picasso en emplear dicha técnica fue Naturaleza muerta con silla de paja (1912), trabajando el cuadro con pasta de papel y hule.

Durante esta época el color de los cuadros cubistas se enriquece notoriamente, y el estilo se torna más figurativo, si bien los objetos siguen estando reducidos a sus características esenciales y expresados en un lenguaje geométrico.

La Primera Guerra Mundial debilitó esta etapa del cubismo en su momento de mayor productividad, cuando numerosos pintores franceses fueron llamados a filas en 1914.

Final del cubismo

La muerte del cubismo puede ubicarse hacia 1919, en el inicio del período de posguerra. La mayoría de los pintores cubistas emprendieron caminos estéticos diferentes, como el dadaísmo o directamente el abstraccionismo.

Únicamente Juan Gris continuó con sus experimentaciones cubistas, a través de un estilo muy depurado que reducía los objetos a su esencia geométrica. Picasso, a su vez, terminaría sumándose a los surrealistas.

El cubismo en la literatura

Gustav Apollinaire, conocido escritor francés, fue un entusiasta del cubismo a grado tal, que se propuso adaptarlo a la literatura. He allí que concibiera sus célebres “caligramas” e “ideogramas”, en los que buscaba representar formas alegóricas al mensaje literario, empleando para ello el propio texto escrito.

Empeñado en superar las fronteras entre los géneros artísticos, Apollinaire experimento con éstas y otras formas de poesía visual, logrando una obra que luego serviría de gran inspiración a los surrealistas, encabezados por Bretón.

El cubismo en la escultura

Picasso mismo produjo numerosas estatuas, siguiendo los lineamientos cubistas que le inspiraban. Pero no fue el único: Alexander Achipenko, Jacques Lipchitz, Henri Laurens, Pablo Gargallo y Julio González fueron fértiles escultores cubistas, siendo este último además un pionero del uso del hierro a través de la soldadura autógena.

Los principios de la escultura cubista apuntan al aprovechamiento de material de desecho, a través de técnicas similares al collage, en lugar de trabajar un mismo bloque de piedra o mármol. Así fue desarrollándose la estética de “ausencia de masa”, ya que eran figuras tridimensionales con agujeros y vacíos en su superficie.

Incursiones en el cubismo

Pintores de muchas otras tendencias incursionaron eventualmente en el cubismo, antes de continuar por sus senderos artísticos singulares. De esta manera, el cubismo fue un movimiento muy influyente en las escuelas artísticas posteriores.

Así, el pintor holandés Piet Mondrian cultivó el cubismo analítico durante sus años en París, antes de volver a Holanda y fundar el grupo De Stijl en 1917. Otros casos interesantes son los de Marchel Duchamp y Jacques Villon, este último con un cubismo moderado que empleó colores vivos.

Otros ejemplos conocidos de ello fueron los artistas Emilio Petorutti, María Blanchard, Carlos Sotomayor y Enrique Sosbisch.




Fuente: https://www.caracteristicas.co/cubismo/#ixzz5RlvGfxUP

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Exponentes artisticos del op art

Escrito por michellemartinez 12-01-2019 en VICTOR VASARELY. Comentarios (0)

Principales exponentes 

Victor Vasarely

Pintor francés de origen húngaro, Victor Vasarely (Pics, Hungría 1908 – París 1997) se forma en la Academia Muhely de Budapest, inspirada en la Bauhaus alemana, bajo la dirección de Bortnyk. En 1930, se instala en París y ejecuta lienzos expresionistas, cubistas y surrealistas. Realiza su primera exposición en París en la Galeria Denise René con ocasión de su inauguración en 1944. En 1947, durante su estancia en la costa bretona (Belle-Isle), se orienta hacia la abstracción mediante la reducción de los guijarros y las olas a formas ovoides. En 1948, durante su estancia en Gordes, radicaliza su lenguaje geométrico, e introduce una perspectiva axonométrica ilusionista (Santorini, 1950-1951). Poco a poco, evoluciona hacia el cinetismo, las líneas paralelas se separan, creando relieves o huecos, convierte el cuadrado en rombo, lo redondo en elipse, los juegos de movimiento y de vibración dinamizan la composición durante el período «blanco y negro» de mediados de los años 50.

Estudios Bauhaus C et D, 1929, Victor Vasarely

Estudios Bauhaus C y D, 1929, Victor Vasarely. Fue durante el período que Vasarely pasó en la Bauhaus de Budapest, que le aparece por primera vez lo que él llamaba “el carácter funcional de la plasticidad”.

En 1959, comienza a desarrollar el sistema de “la unidad de plástica” y del “prototipo de partida” (collage impreso y serigrafiado) para crear relaciones múltiples. Desde 1963, aborda el volumen mediante relieves y utiliza nuevos materiales como el aluminio y el vidrio. Al año siguiente, reintroduce el color, enriqueciendo su gama cromática con varios matices y la creación de sistemas de permutación programados con antelación (Arny, 1967-1968, París, MNAM). Desde el principio de su carrera, Vasarely supera la pintura de caballete posesionándose del espacio (Homenaje a Malevich, 1954; Obra profunda cinética en hoja de acero, 1967, Señal policromada, 1972), y realizando cartones para tapices tejidos en Aubusson, ejecutando esculturas, redes cinéticas … Fundó dos museos didácticos en Gordes en 1970, en Pecs en 1976 y un Centro de investigación arquitectónica en Aix-en-Provence en 1976.

Homenaje a Malevich, 1954, Victor Vasarely

Homenaje a Malevich, 1954, Victor Vasarely (Universidad de Caracas)

«No podemos dejar indefinidamente el disfrute de la obra de arte sólo a la élite de conocedores. El arte del presente se encamina hacia formas generosas, recreables a placer; el arte del mañana será un tesoro común o no será.» Victor Vasarely. Manifiesto Amarillo, 1955.

Arny (Sombra), 1967-1968, Victor Vasarely

Arny (Sombra), 1967-1968, Victor Vasarely (París, Centro Pompidou)

Vasarely concedía una gran importancia a los principios del cinetismo por dos motivos, uno personal – la noción de movimiento lo perseguía desde su juventud – la otra más general: la idea de que un cuadro animado por efectos ópticos no sólo existe en la pared, pero sobre todo en el ojo del espectador. Vasarely se interesaba por la pintura, por las obras compuestas por planos separados, así como por las pantallas y objetos tridimensionales.

Victor Vasarely delante de sus obras, hacia 1978

Victor Vasarely delante de sus obras, hacia 1978

Ellesworth Kelly

Pintor y escultor americano Ellsworth Kelly (Newburgh, Nueva York 1923 – Nueva York 2015) se formó en la Escuela de Bellas Artes de Boston y en París, donde regresó en 1948. Allí conoció a Brancusi, Arp, Vantongerloo, Picabia, Magnelli … Realizaba obras abstractas y geométricas inspirándose en paisajes reales, fotografiados por él. A finales de los años 1950 comenzó a explorar formatos monocromáticos, siguiendo esta tendencia en Nueva York, donde volvió a instalarse en 1954. Utilizaba también el aluminio o el acero en paneles pintados de manera uniforme y dispuestos en el muro o en el espacio. Su obra manifestaba un rechazo a la abstracción lírica entonces en voga, y anunciaba en gran medida el Minimalismo. A finales de los años 1960, empezó a trabajar de manera cada vez más sistemática la forma del soporte, experimentando con los formatos irregulares del lienzo, e inscribiendo el color en un corte geométrico irregular lo que acentúa su dinamismo.

Spectrum Colors Arranged by Chance II, 1951, Ellsworth Kelly

Spectrum Colors Arranged by Chance II, 1951, Ellsworth Kelly (New York, MOMA)

Sculpture for a Large Wall, 1956-57, Ellsworth Kelly

Sculpture for a Large Wall, 1956-57, Ellsworth Kelly (New York, MOMA)

OBRA DE VASARELY


https://www.aparences.net/es/periodos/arte-contemporaneo/es-op-art/




Principales características

Escrito por michellemartinez 12-01-2019 en características. Comentarios (0)

OP ART 

  • Son representaciones artísticas derivadas de la abstracción geométrica
  • El objetivo del arte óptico es producir y crear efectos visuales únicos
  • Son obras físicamente inmóviles, con efectos de profundidad y movimiento
  • Utiliza la yuxtaposición del color, con matices cromáticos identificables
  • Utilizan los colores, la luz y las sombras con una gran habilidad
  • Contrastes marcados cromáticos, que pueden ser bicromáticos o polis
  • Utilización de figuras geométricas (rectángulos, triángulos, círculos, cuadrados)
  • Crean  un complejo de tensiones visualesdando la sensación de movimiento
  • Utiliza la técnica de pintura al acrílico, para obtener bases definidas y limpias
  • Realizan cambios de tamaños, figuras y formas mezclándolas y/o repitiéndolas
  • Podemos encontrar esculturas dentro de esta corriente artística
  • Utiliza técnicas como líneas paralelas sinuosas o rectas.
Aun cuando muchas personas definen a este tipo de arte como algo técnico e impersonal,  el espectador de cada obra puede cambiar la configuración que tiene.



https://www.capitaldelarte.com/arte-optico/


OP ART

Escrito por michellemartinez 12-01-2019 en op art. Comentarios (0)

¿Qué es?

El Op Art es arte abstracto. Así, el OP ART alude a obras bidimensionales o tridimensionales que ponen a prueba la óptica del ojo humano.Y para los académicos, el Op Art es una evolución del constructivismo, aunque con ciertos matices.
Lo que sí es cierto es que el Op Art se caracteriza por la cualidad dinámica con la que es capaz de imprimir sus obras artísticas a nuestra percepción, a nuestras ilusiones ópticas, a nuestra imaginación, para que sean estas, seamos nosotros, quienes completemos la obra, como era la intención de sus creadores.

El arte óptico surge como una variación o interpretación de la abstracción geométrica y se vale de principios científicos y estructuras repetitivas para crear ciertos efectos en el espectador quien en algunos casos puede cambiar la configuración de la propia obra.

Esta tendencia en el arte busca crear en el espectador una sensación de movimiento, gracias a efectos ópticos que desencadenan en el observador una respuesta visual y psicológica ante la sensación percibida. Este tipo de arte es de tipo técnico y en muchas ocasiones impersonal.

¿Dondé y Cuándo se manifiesta?

La primera exposición que se celebró en torno a las pinturas ópticas se celebró en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1965, si bien un año antes ya se hablaba del concepto en la revista Time, y poco después en la revista Life.

A nivel práctico, y dado que ese periodo fue bastante fructífero en cuanto a producción artística, se denominó obras Op Art a trabajos que en realidad no lo eran en el sentido estricto del término.

Entre los antecedentes del Op Art se encuentran tanto impresionistas como postimpresionistas, entre los que destacan Seurat, y todos aquellos artistas que mezclaban, jugando con la óptica, colores y tonos, buscando que el ojo humano además de completar la obra, mezclara el color en su retina.

Surge hacia finales de la década de 1950. Desarrollando las búsquedas visuales emprendidas en el marco de la Bauhaus, por László Moholy-Nagy y Josef Albers, y las investigaciones cinéticas del Futurismo (Giacomo Balla), el Op art propone un estudio riguroso de la percepción, de la que analiza los procesos ópticos y psicológicos, en relación dialéctica con la tecnología moderna. Dos preocupaciones movilizan a los artistas: por un lado, el enfoque en la determinación de un método operativo rígidamente programado; por otro, la intención de involucrar al espectador, llamado a completar la obra de arte por su mera presencia.


https://www.aparences.net/es/periodos/arte-contemporaneo/es-op-art/

http://www.actuallynotes.com/que-es-el-op-art/

http://redgrafica.com/El-arte-optico-Op-Art




Expresiones artisticas

Escrito por michellemartinez 05-10-2018 en manifestaciones. Comentarios (0)

Clasificación de las manifestaciones artísticas

Las manifestaciones artísticas reflejan los valores de su cultura a través del tiempo y son producidas por personas llamadas artistas y pueden clasificarse en clases:

  • Literarias
  • Musicales o auditivas
  • Corporales o del espectáculo
  • Artes plásticas

Artes plásticas

La palabra plástico según el diccionario, significa dúctil o blando; que se puede moldear o a lo que se le da “forma”. En la práctica, y como extensión, el término sirve para calificar a las artes que producen imágenes sobre objetos (obviamente sólidos), como la pintura y la escultura, o que convierten ideas en formas y que organizan espacios, como la arquitectura. De este modo, si las diferencia de las artes que producen textos (la literatura) en objetos (libros), y de las artes que utilizan sonidos (la música) o acciones (la danza), el término plástico es, entonces, aproximado.

Históricamente se consideran como expresiones de las artes plásticas a las acciones realizadas por 3 tipos de artistas determinados, se incluían las obras realizadas por pintores, escultores y arquitectos.

Hoy día, el arte plástico se caracteriza por incluir a todas aquellas formas de arte cuyos objetos finales u obras son tangibles, eso significa que son reales y se pueden ver y/o tocar. El concepto moderno de artes nos permite incorporar en la definición de arte plástica no solo las expresiones clásicas del arte sino también nuevas formas, podrían llamarse modernas, de manifestación artística, ellas son las Artes Visuales.

Entre ellas se encuentran, por ejemplo, todas aquellas generadas por computadoras (arte digital) o con cualquier otro elemento no convencional.

Dibujo

El dibujo es una actividad lingüística; es un lenguaje que produce gráficamente imágenes de la realidad visible. Puede poseer elementos estéticos y que es el origen de la escritura y de la pintura.

Grabado

Este género plástico tiene por finalidad reproducir imágenes mediante una plancha, madera o piedra y una prensa llamada tórculo.

Pintura

El hombre siempre pintó imágenes sobre las superficies planas de las paredes de las cuevas y después de los edificios. A esta pintura se le denomina mural. Más tarde, pintó sobre la superficie de diversos objetos como vasijas, herramientas, etc.…

Por último, inventó el cuadro o pintura de caballete, que es que es transportable y se puede colgar en paredes. Este tipo de pintura existe desde el siglo XIV, es decir, desde los albores del Renacimiento. En el siglo XX se comenzó a reemplazar las figuras, las imágenes de realidades visibles, por formas geométricas o irreconocibles. Estas pinturas se conocen hoy como pinturas abstractas.

Arquitectura

Por su parte, el arte de la arquitectura, concibe y organiza los espacios humanos habitables, los privados (hogares) y los públicos (templos, plazas, etc.). Fue el principal arte en la Grecia y la Roma clásicas y también en las culturas precolombinas. Cuando las construcciones albergan el cadáver de un rey o emperador se les denomina arquitectura funeraria.

Escultura

La escultura comprende también un proceso que se expresa, con un conjunto de imágenes en volumen o en tercera dimensión. Pueden tener el tamaño de los monumentos y entonces se conocen como esculturas públicas, por estar en espacios abiertos. Otras tienen menor tamaño; son obras para espacios cerrados que se encuentran en edificios públicos o privados.

Se ha aceptado la inclusión dentro de la categoría de Artes Plásticas a las especialidades de: Pintura, Escultura, Grabado, Tallado, Cerámica, Vidrio, Fotografía, Vitrales, Porcelana, Diseño, Restauración, Pintores Retratistas, Escenografía, Decoración, entre otras.

Música

Desde los orígenes de la civilización, el hombre primitivo comienza a utilizar la danza y las ceremonias religiosas, para rogar a los dioses que resulten productivos la caza y los cultivos. A la vez va elaborando las técnicas de los sonidos con los que comenzaron a acompañar los ritos.

Cada cultura tuvo concepciones diferentes en la apreciación y valor de la música. Unos le daban valor totalmente humano mientras que otros querían comunicarse con los espíritus.

En la civilización griega, en la época de la escuela pitagórica, la música se transforma en la ciencia de los sonidos, se relaciona con las matemáticas. Se elabora una concepción cósmica, relacionándola a la vez con la filosofía.

La música ha sido compañera del ser humano desde los comienzos de su historia. Se especula que los comienzos de su historia tienen relación con la imitación de los sonidos de la naturaleza, como el canto de las aves y también de la naturaleza interna del ser humano, por ejemplo, el ritmo natural de los latidos del corazón.

A medida que la cultura se fue desarrollando, algunas formas musicales fueron siendo dominantes, para terminar caracterizando la música de una época determinada. Es así como de la música prehistórica se llega a la música medieval, a partir del año 476 (caída del imperio romano) hasta el año 1450 (el Renacimiento). La forma más popular en esta época son los famosos cantos gregorianos, interpretados tradicionalmente por monjes, que incluso gozan de gran popularidad como música cristiana hasta el día de hoy por sus cautivantes y repetitivas melodías que inspiran un aire místico.

Con la llegada del Renacimiento, entre 1450 y el año 1600, se hace común una instrumentación más compleja y se introduce el concepto del bajo como base.

Luego entre el año 1600 y 1750 se llega al Barroco, en donde se refina la estructura y sobre todo los “adornos” interpretativos de la música.

Avanzando por la línea del tiempo llegamos al periodo clásico, que corresponde a la música letrada compuesta entre 1730 y 1820.

Durante el periodo romántico, entre 1815 y 1910, se definieron con precisión las técnicas de interpretación, y se formalizaron instituciones para la enseñanza y esparcimiento de la música por Europa.

La música moderna, entre 1905 y 1985, es una consecuencia de la crisis y el rompimiento de los valores tradicionales en las artes, tendencia global caracterizada por la fe en el progreso y en la ciencia; la idea básicamente romper moldes antiguos y comenzar algo nuevo.

Por último, en lo que es la música docta (letrada) se llega a lo que se conoce como música contemporánea, del siglo XX a la actualidad.

El público en general se inclina por los periodos barrocos al romántico, por ser más accesibles y “agradables” a la audición. Afortunadamente, como en realidad la buena música nunca pasa de moda podremos disfrutar siempre de recreaciones de las composiciones de estos tiempos pasados.

La música siempre ha estado con nosotros y lo seguirá estando, ya que es parte inseparable de lo que somos como seres humanos. Además es mortal, siempre reinante y válida, y además una representación fidedigna de épocas y sentimientos particulares de la historia.

Literatura

La palabra literatura proviene del término latino litterae, que hace referencia al conjunto de saberes para escribir y leer bien. El concepto está relacionado con el arte de la gramática, la retórica y la poética.

Así se puede considerar a la literatura como una forma artística de comunicación, mediante la cual un autor expresa ideas y/o sentimientos con una finalidad concreta depende de su intencionalidad. Es una forma de comunicación en tanto que precisa de los elementos ordinarios de toda comunicación (emisor, receptor, canal, contexto, código y mensaje), es artística porque es creativa.

La literatura es fuertemente connotativa, es decir, se basa en reglas del mundo real, pero sin detonarlo. El verbo el literatura no se agota intelectualmente, ampliándose, connotándose, por emociones o sentimientos del autor.

Literatura romántica

El romanticismo fue un movimiento de tipo cultural y político, que surgió en Europa a partir del prerromanticismo de finales del siglo XVIII. Los románticos consideraban la libertad como causa suprema, tanto en el arte como en la política y la vida personal. En contraposición al neoclasicismo, el romanticismo se caracterizó por el rechazo de la razón como principio, anteponiendo el sentimiento y la fantasía en el arte.

Entre los rasgos de la literatura romántica se encuentran:

a) El predominio del “yo” (subjetivismo); b) La evasión de la realidad (temas medievales, místicos, leyendas y el exotismo oriental); c) El nacionalismo, (interés en el arte popular y las costumbres locales- folclorismo, particularmente los Hermanos Grimm en Alemania); d) La libertad formal (mezcla de prosa y verso, ruptura de las unidades aristotélicas en teatro) frente al academicismo neoclásico; e) La búsqueda de la belleza fuera de la armonía y el equilibrio (los sublime en lo terrible, lo sobrenatural, lo macabro, inicios de la novela gótica Mary Wollstonecraft ShelleyFrankestein o el moderno Prometeo, 1818 ).

Literatura realista y naturalista

A mediados del siglo XIX, hubo un cambio en los gustos literarios hacia el rechazo de los “excesos del romanticismo”. Se consideraron de mal gusto el sentimentalismo, la anarquía formal y los temas fantásticos.

El naturalismo surgió como consecuencia de la evolución del realismo, en aras de reflejar aún más objetivamente el mundo exterior. Tuvo influencia del positivismo, del materialismo y del determinismo. Los elementos característicos de la narrativa naturalista son la sátira, la denuncia social, las temáticas de enfermedad, suciedad, locura, pobreza, vicios y prostitución.

Arte corporal

Muchos artistas, en lugar de pintar o dibujar, prefieren expresar sus ideas mediante los ademanes, gestos y acciones propias del cuerpo humano. Hoy a éstos se les llama performances y consisten en los movimientos de uno o varios cuerpos humanos, acompañados de sonidos y objetos distribuidos en un espacio determinado. Son obras obviamente efímeras o momentáneas que tienen por finalidad expresar algo, sea una idea o concepto, o ciertas relaciones o actitudes humanas. Las acciones llamadas performances son de corta duración y suelen lograr una tensión entre las personas actuantes y el público. Esta tensión implica suspenso, como en las películas de Alfred Hitchcock, y hace sentir el tiempo de una manera distinta.

En esta clase de arte entra el teatro, lo cual se forma por un conjunto de artes escénicas (obras teatrales, ópera, opereta, ballet). También se le llama así al edificio donde se realizan dichas representaciones. Según el tipo de espectáculo, cabe distinguir entre teatro de ópera, dramático, de cámara que es como "un teatro-laboratorio donde se experimenta para buscar la verdad de la vida a través del teatro", cabaret, etc. El funcionamiento del teatro está bajo la jurisdicción de un director, de un programador o de una comisión; en las cuestiones artísticas, el director está asistido por el director artístico, el escenógrafo, el asesor literario o dramaturgo, etc.

https://www.ecured.cu/Manifestaciones_art%C3%ADsticas